Scoppia la rivolta dei post-it, ma intanto il nemico agisce.

Who is Eleh? It’s a simple enough question, but an email to the object of it elicits the following reply: “At this time I would prefer to let the records speak for themselves”. The statement is characteristic of how Eleh has chosen to present its sound art to the world: stark, humble, a direct challenge to how listeners and critics discuss music – and more than a little disingenuous.

In many respects, Eleh’s approach to sound and identity is a reformulation of many past and present gambits from popular as well as experimental music: the Cageian decree to allow the sounds to do all the communicating; the anonymity common to the Industrial and Noise undergrounds as well as hiphop and club music; the more recent fascination with drone forms and analogue synthesis. While Eleh’s sound is more physical than Cage’s concepts, and its drone purer and heavier than many modern counterparts, the anonymity is more problematic. Ostensibly, it is a way of increasing a listener’s focus on the sound; yet insisting on facelessness becomes a distraction in itself. Some have called Eleh mysterious, but given the effort to remain hidden, elusive would be more accurate.

The 12 Eleh LPs to date reveal no hard facts, but the letterpressed sleeves, almost invariably printed in metallic silver and black, contain a wealth of information, visual as well as sonic. The Op Art inspired designs of John Brien evoke the legendary Perspectives Musicales series released by EMI in the late 1960s and early 70s. Titles combine mystic abstraction, technological detail and devotional sentiment. And each offers come variation on Eleh’s only direct verbal message to listeners, such as: “Pure Tone. Pure Sound. Pure Volume. Pure analog. Dedicated to LaMonte Young”. Taken from its debut release Floating Frequencies / Intuitive Synthesis I (Important 2006), it shows that all the elements of Eleh’s sound and concept are present from the start. There’s the commitment to analogue sources and reproduction; the importance of high volume; the quest for sound unburdened by ego; the awareness of the minimalist electronic tradition (two more volumes are dedicated to Charlemagne Palestine and Pauline Oliveros) and the suggestion, contained in the Roman numeral ‘I’, that Eleh’s vision is openended.

The insistence on purity, however, feels at once over-ambitious and self-limiting [...]. Eleh is concerned more with density here than texture or subtlety. But such density cannot overcome the impression that these are little more than technical studies [...].

Simultaneously cerebral and visceral, Eleh returns to us, in Wozencraft’s estimation, “the pleasure of discovering something for oneself, of testing the parameters of one’s appreciation and going beyond the usual references”. Even so, it’s difficult to shake the feeling that Eleh has actually cut listeners off from the satisfaction of arriving at a personal interpretation by forcing them to navigate the narrow references printed on its limited-run vinyl releases; it’s as if Eleh were at times playing hide and seek with listeners, rather than allowing them to explore the music themselves. That is why Eleh’s Touch recordings feel like its most liberating, as they release Eleh from two tightly held constraints on its identity: the letterpress sleeve designs and the analogue-only policy.

The Location Momentum CD presents the clearest, most unified view yet of Eleh’s vision. The more diverse tonal and timbral range, sculptural form and untamed energy found on Eleh’s most satisfying releases are all present and thoroughly synthesised into an immersive, mesmeric whole. Aided by the uninterrupted flow that the digital medium allows, and unburdened by any attachment to a medium or method of production, our idea of Eleh is allowed to expand. Now that Eleh has stopped being so elusive, it is again becoming mysterious.

Su Chatroulette.

There’s no fado here, but a risky martini of (ehm) Brazilian styles with an Indie-rock approach. The result is far from being cheesy: languid and sentimental without doubt, but rhythmically sparkling and spread of vocal transgressions. And where the bearing gets lamest, like in “Beijitos”, B Fachada can be quite outstanding.

He defines himself as “folque(lore) muito erudito”. Maybe you can call it an avant-garde kind of lounge, or simply: Yacht music.

Listen to “Um Fim De Semana No Pònei Dourado” [2009] by B Fachada.

Listen to “B Fachada” [2009] by B Fachada.

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Se l’America è in declino, le ultime ad accorgersene saranno le sue istituzioni culturali? Come Vienna e Berlino negli anni Trenta, come Parigi e Londra negli anni Cinquanta e Sessanta, le capitali degli imperi decaduti possono continuare a risplendere a lungo quali centri di produzione artistica. Così oggi è New York: quasi indifferente alle traversie della politica o dell’economia americana, conosce un momento magico di creatività e innovazione.

L’ultima prova è quella offerta dalla Metropolitan Opera con la produzione stupefacente di The Nose. E’ l’incontro di un piccolo gioiello della satira russa dell’Ottocento; di un compositore modernista represto dalla censura di Stalin; di un pittore-regista formatosi nel Sudafrica dell’apartheid. Più un pizzico di tecnologia del terzo millennio. La fusione di tre secoli e di tre geni artistici ha mandato in visibilio il pubblico del Met, dai gusti difficili: altre innovazioni sceniche recenti erano state affondate da urli e fischi. Non così la prima di The Nose, salutata da un tripudio di gioia. Ben meritata. Lo spettacolo unisce la fantasia feroce di Nikolai Gogol, la musica travolgente di Dmitri Shostakovich, l’estro figurativo di William Kentridge: un’ora e tre quarti di puro godimento, di invenzioni sonore e scenografiche dal ritmo frenetico.

Gogol nella Russia zarista del 1836 mette alla berlina il maggiore Kovalyov che un mattino a San Pietroburgo si sveglia senza il naso. Il suo panico è aggravato dalla notizia che il naso è stato avvistato mentre scorrazza per la città spacciandosi per un ufficiale di rango superiore. Ricca di doppi sensi, l’amara allegoria ridicolizza una società ossessionata dallo status sociale, dal potere delle gerarchie, dalle apparenze. La satira piacque al 22enne Shostakovich che nel 1930 ne arricchì la trama per costruirvi un’opera ricca di dissonanze, vitale e violenta, un “pandemonio” al livello di Stravinsky, con momenti di leggerezza e di gaudio che prefigurano il migliore musical del dopoguerra (e infatti nella parte di Kovalyov c’è un grande Paulo Szot, il baritono che si è cimentato anche col musical “South Pacific”). Non a caso è una partitura contemporanea de “L’opera da tre soldi” di Brecht-Weill.

“Il Naso” è anche una storia di ottusità burocratica, conformismo di regime, prepotenza dello Stato: non piacque alle autorità sovietiche che ne vietarono le rappresentazioni per quasi mezzo secolo. Anche questo spiega l’innamoramento di William Kentridge, il grande artista sudafricano formatosi nella lotta contro un altro regime autoritario e l’apartheid razziale. Kentridge, che di questo allestimento cura regia, scenografia e video d’animazione, è il vero protagonista del trionfo di pubblico e di critica. Per fare il nesso tra la satira di Gogol e le peripezie inflitte dall’Urss staliniana all’opera di Shostakovich, il regista situa The nose in un paesaggio grafico e politico da anni Trenta del secolo scorso. La scena – che sfrutta tutta l’altezza smisurata del Met – è coperta da un susseguirsi di ritagli di giornali d’epoca, che evocano una società immersa nella propaganda totalitaria. Lo stile visivo di questi montaggi grandiosi evoca i collage futuristi, cubisti, anche dei primi surrealisti (Kentridge è un ammiratore dell’”Ubu Re” di Alfred Jarry). Il Naso stesso, impersonato da un ballerino e infine da un cantante, è una grossa figura di cartapesta fatta di pagine di quotidiano, comica e grottesca nella sua prosopopea. La scena è agitata da un brulicare di folle, con gruppetti di personaggi incastonati in cubicoli. Il movimento è impresso nell’uso fantastico che Kentridge fa delle proiezioni video: a volte immagini fisse, altre volte animazioni che rievocano i primi montaggi del cinema muto. In un passaggio in cui la musica prorompe di percussioni, sullo sfondo viene proiettata una gigantesca figura dello stesso Shostakovich al pianoforte, a velocità accelerata. Come in una sala di cinematografo degli anni Trenta, il ritmo sincopato con cui si accavallano le immagini potrebbe essere di Charlie Chaplin o Buster Keaton.

The Nose consacra definitivamente l’estro teatrale di Kentridge, che già aveva dato le sue prove in una precedente regia del Flauto magico di Mozart (2005). Qualcuno è riuscito a rimproverargli di essere troppo bravo: in un dibattito sul New York Times subito dopo la prima, l’unico rilievo critico è stato che lo spettatore finisce quasi per scordare musica e libretto, talmente viene trascinato nel vortice d’immagini inventate da Kentridge. In realtà l’invadenza della regia si sposa bene con l’irruenza della musica di Shostakovich: semmai quell’ora e tre quarti passa troppo in fretta per assorbire tutto, e vien voglia di tornarci subito. Magari dopo aver visitato l’esposizione dedicata a questo artista dal Moma, in quello che è stato definito “il mese di Kentridge a Manhattan”.

Secondo La Stampa, “potrebbe essere per lei quello che Evita è stato per la vedova Peron, il segno di un nuovo interesse e l’inizio di una riabilitazione, se non altro come icona kitsch”.

Or maybe, as for me, if you don’t like Fleet Foxes and even less Devendra Banhart, this is for you. I even ignore if this English guy known as Silent Paper Radios has got a beard. Oh, whatever. He came out last year with “Reborn As A Wind Chime”, and now he’s back with “The Willow Tree” EP (both available for free). “Calm acoustic songs, sometimes with banjo or some other kling klang instrumentation”, as mblogger DFBM explains.

I think that his best effort so far is “Hoping”, from last year’s album. That’s where he really managed to transcend the bearded-hippy-with-folk-guitar form cliche, turning it into a deeply touching and melancholic prayer. There’s a bunch of great moments in the new EP as well, thanks mainly to more subtle, chamberlike arrangements and choruses. And yes, there is a lot of banjo.

Listen to “The Willow Tree” EP [2010] by Silent Paper Radios.

Listen to “Reborn As A Wind Chime” [2009] by Silent Paper Radios.

Go to Silent Paper Radios myspace.

Giovanni de Mauro su Internazionale commenta: “E’ successo agli operai di mezzo mondo, non si vede perché non debba succedere anche ai giornalisti. Un bel giorno si svegliano e scoprono di essere stati sostituiti da una macchina”.

Per ora Stats Monkey è specializzato nel baseball. Arriverà presto un Castaldo androide?

Il titolo è “La rivoluzione (lunga 30 anni) dei cantautori”. Bene, ma allora non potevano dirlo 30 anni fa?